"Cuando el amor no tiene barreras"

Título: Viudas

Año: 2011

Género: Drama

Director: Marcos Carnevale

Guión: Marcos Carnevale, Bernarda Pagés

Duración: 100min

Reparto: Valeria Bertuccelli, Graciela Borges, Rita Cortese, Martín Bossi

Produc.: Aleph Media, Corbelli Producciones, Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), Patagonik Film Group, Tronera Producciones

En Viudas, una mañana, Elena (Graciela Borges) se haya dirigiendo un documental, cuando recibe un llamado urgente del hospital, en donde acaban de ingresar a su marido Augusto. Interrumpiendo la filmación, Elena llega al sanatorio en el preciso instante en el que se han cerrado las puertas del quirófano y Augusto ha sido internado por un infarto. Con todo, acompañando la camilla había una chica, su nombre Adela (Valeria Vertuccelli), a la que ahora ve alejarse y a quien Elena desconoce.

Elena, sentada en la sala de espera aguarda junto a Esther (Rita Cortese), su amiga y asistente, cuando ve, a través de la ventana, que en el patio está la chica a la que había visto un rato antes, y que se le ocurre que debe de ser quien lo encontró y lo llevó a la emergencia. Para quitarse las dudas, Esther decide salir a hablar con ella, en tanto que Elena las mira desde el otro lado y sin posibilidades de escuchar una palabra. Nosotros oímos una parte de la conversación, en donde una joven, excesivamente preocupada como para tratarse de una desconocida, le informa a Esther que ella no piensa retirarse, hasta que Augusto no se recupere. El resto de la conversación lo vemos desde el punto de vista de Elena y sólo a base a gesticulaciones físicas. Cuando, minutos más tarde, Esther vuelva adentro, cuidando sus palabras le dirá a su amiga que tenía razón y que la chica fue quien lo encontró y lo trajo.

Hasta aquí la situación parecería no tener nada fuera de lo común, salvo que en otra escena, una enfermera pide a Elena que saque a su hija de la cama de su padre, algo que Elena no comprende. Cuando, entonces, ella entra a la habitación y ve a esa desconocida acostada junto a su esposo, la hecha, inmediatamente, enfurecida.

De vuelta con su marido y ahora molesta, Elena le pregunta a un hombre, incapacitado para responderle, en su estado de inconsciencia, si él la estaba engañando, pero es de entenderse que lo que Elena, en realidad desea, es descargarse.

Más adelante, en la jornada del entierro, Elena y Esther se están retirando, tras el último adiós, cuando ven acercarse a Adela, ahora con un ramo de flores que entrega a Elena, quien a su vez se lo cede a Esther, de mal gusto.

Pasado el último encuentro y cuando ya ha quedado claro que Adela había sido la amante de Augusto, Elena se prepara para empezar a vivir, sin el que fuera el hombre al que amó, sin tener la menor idea de los problemas que se le vienen, ya que esa chica no piensa dejarla en paz. Seguidamente, en el día de su cumpleaños, Elena recibe a un inesperado e indeseado visitante. Adela, con un ramo de flores, espera a que le abran la puerta, pero Elena por intermedio de Justina, le pide que se vaya. Caída la noche, Adela vuelve a insistir, llamándola, esta vez, por teléfono y deseándole feliz cumpleaños, poniendo a prueba la tolerancia de una viuda, que quiere que la dejen en paz. Así el director nos sigue anticipando lo que se viene, en tanto que nos hace cuestionarnos cuál será el problema de la chica. ¿Acaso estará loca? ¿O será algún tipo de sicótica?

Finalmente, Elena recibe una llamada a la que responde que sí, que ella es a quien buscan, pero no, ella no tiene ninguna hija. Sin embargo, ahora las cosas han pasado a mayores y se la requiere urgente. Elena llega al apartamento que Adela había compartido junto con su esposo, para encontrarse con la afortunada sobreviviente de un intento de suicidio, echada en una cama y a pleno llanto. Dentro del entorno de ese apartamento Elena se ha convertido, sin desearlo, en madre de esa chica, luego de que, por algún raro motivo, se hubieran comunicado con ella, tras el intento de autoeliminación. Uno, a estas alturas, podría tratar de meterse en los pensamientos de esta pobre viuda y preguntarse que será lo que pretende la muchacha. Para colmo, Adela no deja de expresarle, cuánto siente molestarla, siempre entre lágrimas y como si fuera a servirle de consuelo a una Elena agotada. Empero, la cosa no se acaba allí, ya que a partir de aquí, Elena tomará a Adela bajo su techo de manera temporal, hasta que la muchacha se recupere. Porque, aparentemente, las opciones se reducen a eso o que la joven se quede en su propio apartamento, con el alquiler aún sin pagar y que la acaben echando.

Es así que, valiéndose de unas, muy concretas, situaciones, es como el director Carnevale ha sido capaz de mostrarnos cómo, por cosas del destino, estas dos mujeres, de realidades diferentes, pero que comparten un nexo en común, terminan siendo compañeras de piso, una, que lo aspiraba, y la otra, sin quererlo.

Una vez que Elena y Adela están juntas, es cuando nosotros al fin, nos enteramos de cuál es el verdadero conflicto de esta película, que no es el de una viuda que debe acostumbrarse a vivir sola, o el de una chica con comportamiento obsesivo. Acá el conflicto es el de una viuda (persona mayor que convive con las realidades normales de la vejez) que ha de aprender a sobrellevar su duelo, cargando con las penas de una muchacha que ha tenido el atrevimiento de enamorarse de “su” marido. Porque a su vez Augusto, siendo un hombre casado, tuvo el descaro, no sólo de engañarla, sino que tras morir, de dejarla al cuidado de su amante, que es casi una niña y que podría haber sido su hija.

Algo aquí a destacar, comprende a la relación que surge entre ambas mujeres, viviendo en casa de Elena. Si bien es cierto que en la película las vemos casi siempre distanciadas, una de la otra y en silencio, cada vez que las vemos juntas y dialogando, acaba siendo Adela quien le cuente a Elena, qué bien que la pasaban juntos él y ella, cómo reían, o cómo insistía Augusto en que él nunca podría imaginarse una vida sin Elena a su lado. Todo esto, a su vez, sería como un baldazo de agua fría para Elena, para quien probablemente fuese irreal, pensar en que su marido había compartido tantos momentos íntimos con esa jovencita.

Si quisiéramos ser más precisos, podríamos incluso definir un segundo tema de interés en esta película y que refiere a la idea de que el amor vaya más allá de la diferencia entre edades. Seguramente, a cualquier le resulte sencillo concebir que un hombre de alrededor de setenta años se vea atraído por una chica joven, pero no vea igual de normal, que una muchacha de unos treinta años se pueda sentir, sexual o emocionalmente atraída, por un señor mayor.

En Viudas se logra bastante bien, mostrarnos el choque de problemáticas que se produce entre estas dos mujeres y en donde una de ellas se ve obligada a ceder, si ambas quieren salir adelante.

También debe destacarse la actuación de Valeria Bertuccelli, como una Adela que se siente perdida, ya que la muerte de Augusto parece haberse llevado, también, parte de su alma.

Mi puntaje: 7/10

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"El Señor de los anillos: pero, sin anillos"

Título: Mi Primera Boda

Año: 2011

Género: Comedia, Romántica

Director: Ariel Winograd

Guión: Patricio Vega

Duración: 102min

Reparto: Natalia Oreiro, Daniel Hendler, Martín Piroyanski, Muriel Santa Ana, Clemente Cancela

Produc.: Film Suez, Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), Luz Libre Producciones, Televisión Federal (Telefé), Tresplanos Cine, surDream Productions

En Mi Primera Boda, Adrián (Daniel Hendler) debe hacer todo lo que tenga a su alcance para atrasar la ceremonia de su casamiento con Leonora (Natalia Oreiro), luego de que, por los nervios, perdiera ambas alianzas.

Adrián es judío y Leonora, católica. En principio tendrían que haber elegido entre una de las dos religiones, para llevar a cabo el ritual en el día de su matrimonio. Sin embargo, gracias a ciertas amistades, que no vienen al caso, ambos consiguieron dar, tanto con un sacerdote judío, como con uno cristiano, que no tuviesen inconvenientes en compartir la condición de anfitriones de la ceremonia. Partiendo de esta infrecuente situación y de otras situaciones, con las mismas características, será como esta comedia funcione y sepa mantenerse lejos de los chistes decadentes.

Por si sus diferencias en el plano religioso fuesen poca cosa, sumémosle a esto que él es un tipo manso y de carácter muy suave, y en cambio ella, una mujer de fuerte temperamento. Esta diferencia de caracteres es la razón de que todo suceda en la película, cuando Adrián queda aterrado, cuando su torpeza le hace perder ambas alianzas, si bien uno llega a ver como evidente que entre ellos hay un amor verdadero. Luego Adrián debe hacer todo lo posible por evitar que los maestros de ceremonia lleguen en hora a la fiesta, básicamente porque entiende que si su novia se entera de su accidente, lo estrangula.

¿Qué hacer para ganar tiempo? se pregunta el novio. Adrián se monta a caballo, galopa hasta un cartel, que indica el camino hacia la estancia y lo gira para confundir al chofer del remise.

De vuelta en el jardín de la estancia, Adrián ahora le cuenta a su primo Fede (Martín Piroyanski), joven de pocas luces, del lío en el que se acaba de meter y ambos se ponen en marcha a la búsqueda de la preciada alianza de Leonora.

En esta película uno tiene, además, la suerte de divertirse, no, con uno, sino con varios de los invitados. Este es el caso del tío Lázaro (José “Pepe” Soriano), quien no deja de pedirle mariguana a Adrián, o el caso de Inés (Muriel Santa Ana), joven lesbiana que no tarda en ficharse a otra chica. Y también está el caso de Esteban (Clemente Cancela), quien, aunque bastante mayor que Leonora, tuviera años atrás un amorío con ella, cuando él era docente y ella su alumna, y a quien le ha dado la cara para aceptar la invitación, apareciéndose en la fiesta y actuando como un cínico.

Finalmente, perdidos, camino a la estancia, tenemos al Padre Patricio y al Rabino Mendl, ambos divinamente interpretados, ni mas ni menos que, por Marcos Mundstock y Daniel Rabinovich, mejor conocidos por su excelente participación en el conjunto humorístico Les Luthiers. La actuación de estos dos hombres, que ya de por sí poseen una calidad propia para hacernos reír, nos lleva a preguntarnos, si acaso no habrán escrito sus propios diálogos. Tomando a cada una de sus religiones como punto de partida, hacen pasar el tiempo intercambiando distintas apreciaciones, con las que bromean muy finamente.

De modo que Mi Primera Boda trabaja un triple paralelismo (el novio, la novia y los sacerdotes), y va saltando de uno a otro, para que veamos cómo Adrián se enreda cada vez más; cómo Leonora empieza a cuestionarse si aún quiere casarse y cómo los dos hombre religiosos conviven, sin mayores quejas, por el retraso de su llegada.

Pasando brevemente a los aspectos fallidos, es cierto que, si bien el asunto de la alianza perdida es un buen material para explotar, llega un momento en el que el chiste se desgasta. Ya cuando Adrián y Fede llevan largo rato buscándola y encima pierden la otra, el dilema del anillo ya se dilató demasiado, dejando en evidencia que la creatividad se estancó ahí. Nosotros debemos conformarnos con lo que vemos, y por consiguiente esta comedia no pasará de ser una del montón.

Mi puntaje: 6/10 

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"¡Es un pájaro, es un avión. No... Es Arthur Christmas!"

Título: Arthur Christmas (Arthur Christmas: Operación Regalo) 

Año: 2011 

Género: Animación, Comedia, Drama 

Director: Sarah Smith, Barry Cook 

Guión: Peter Baynham, Sarah Smith 

Duración: 97min
Reparto: James McAvoy, Jim Broadbent, Billy Nighy, Hugh Laurie

Produc.: Aardman Animations, Sony Pictures Animation
Presup.: $100 millones aprox.

En Operación Regalo, Santa Claus (Jim Broadbent) y su equipo de elfos cumplen con la misión de entregar sus regalos a todos los niños del mundo, cuando un descuido lleva a que una niña inglesa esté a punto de ser la única que no reciba el suyo. Al percatarse del hecho, Santa y su hijo Steve (Hugh Laurie) ven como absolutamente imposible que, dada la falta de tiempo, puedan cumplir con la pequeña. A partir de ese momento correrá por parte de Arthur (James McAvoy), hijo menor de Santa, lograr que el regalo llegue a la niña, e impedir que esta deje de creer en la Navidad. 

Si he de ser sincero, debo decir que no tenía idea de, con qué me iba a encontrar. Lo que pasa es que si uno hiciera un seguimiento de todos los filmes navideños que se hacen, año a año, notaría que una gran mayoría de estos parecieran ser productos del "recorte y pegue", lo que lleva a que sean muy aburridos.

Cuando me enteré de su estreno, en seguida me surgieron dos corrientes de pensamiento, opuestas, una de la otra. Por un lado me cuestioné el hecho de que una productora hubiese decidido lanzar al mercado otro bodrio navideño, seguramente repleto de los típicos clichés. Por otro lado, en cambio, supe preguntarme si acaso en esta Operación Regalo no habría algún giro que la distinguiría de las otras películas del mismo estilo y al final me terminé llevando una sorpresa muy grata.

En esta nueva visión cinematográfica de las actividades de Santa, ya no se parte de la idea de que este sujeto gordito y de barba canosa sea un inmortal, quien durante siglos se haya estado dedicando a complacer a billones de niños en todo el mundo. Por el contrario, y al igual que en el resto de los mortales, Santa forma parte de una familia con varias generaciones y en donde cada tanto tiempo va surgiendo un nuevo San Nicolás.

Según lo que se nos muestra, y considerando el siglo en el que vivimos, Santa ha podido valerse, últimamente, de lo mejor en alta tecnología, para trabajar de manera más rápida, cómoda y segura, a bordo del espléndido S-1, una suerte de nave especial y fácilmente confundible con un OVNI. Al mismo tiempo, a Santa lo acompaña todo un equipo de pequeños y ágiles elfos, quienes conforman un elemento fundamental en cada operación.

Sobre el comienzo de la película nos enteramos de cómo viene a ser la compleja metodología de trabajo de Santa Claus, cuyos elfos se mueven, tal cual gimnastas olímpicos, entregando sus regalos al mejor estilo de Ethan Hunt en Misión Imposible. Por si fuera poco, Santa cuenta con unas impresionantes instalaciones, dignas de la NASA, desde las cuales se le está haciendo un completo y constante seguimiento, minuto a minuto, de sus avances alrededor del planeta. De estas instalaciones está al mando el inigualable Steve Christmas, hijo mayor de Santa, individuo que lleva de manera impecable el cumplimiento de sus tareas, pero de quien más adelante sabremos que carece de una verdadera noción de cuál es el significado de las fiestas. Luego, por otro lado conocemos a Arthur, encargado de recibir, responder y ordenar las millones de cartas que le llegan a su padre. Arthur, el menor de la familia, veremos que es bastante torpe, si bien cumplirá muy pronto un rol primordial en la película, por ser, de la familia, a quien mejor le quede el apellido, algo de lo que podrá sentirse orgulloso. 

Los problemas para Santa empezarán cuando, por un pequeño accidente, un regalo sea movido de su ubicación, de modo que, cuando los obsequios deban ser entregados, este (una bicicleta para una niña) pase desapercibido y no llegue a su destino. Al momento de acabada la misión y cuando Santa ya se ha ido a dormir, una elfa que se está encargando de la limpieza se topa con este, perdido entre la mugre y da la alarma en seguida. 

Llegados a este punto, y ya con Santa, Steve y Arthur y todos los elfos enterados del percance, surgirá entonces una disputa entre si será o no posible entregar esta bicicleta y, si acaso, por primera vez en la historia habrá que aceptar que, luego de tantas misiones, el perfecto y tan meticulosamente planeado plan de trabajo de los Christmas ha tenido una falla. 

La situación aquí no podría haber sido planteada de mejor manera, en donde tenemos por un lado a Santa y a Steve, un padre y un hijo que desean dar la misión por terminada, para irse a descansar, y que pretenden que Arthur, quien según ellos, poco entiende del asunto, comprenda que, considerando los varios millones de obsequios que se entregan, uno solo que no llegue a destino no debería molestarlo. Sin embargo, a uno le es mucho más fácil estar de acuerdo con Arthur, quien es el único que realmente vive el espíritu de la Navidad y el único que ha tenido la oportunidad de leer la carta de Gwen, en donde la niña le contaba a Santa que ella cree en él. Arthur sabe que ningún niño merece que lo dejen sin regalo, y que no podría existir peor dolor que el de ver despertarse por la mañana a una pequeña, para descubrir que su bicicleta no está debajo del árbol. 

Un preocupado Arthur termina hablando con el Abuelo (Bill Nighy) sobre el asunto. El Abuelo, que es uno de los personajes más interesantes de la película, un cómico viejito de 137 años, bajito y encorvado, que usa un bastón y una dentadura postiza. Acaba siendo, sumamente interesante, cómo este hombre, por el cual ninguno de sus familiares daría un peso, pasa a ser la voz de la sabiduría y de la experiencia, y quien guíe a su nieto en el camino hacia hacer las cosas como se deben.

El Abuelo propondrá a Arthur salir a entregar ese último regalo, pero no en una nave de avanzada, sino, en un trineo tirado por renos, y si bien Arthur no se muestra muy convencido al principio, al final acaba cediendo, aventurándose a lo que será, de aquí en adelante, prácticamente una road movie, interpretada, en gran parte, por ellos. A lo largo del camino hacia el pueblo de Trelew en Inglaterra (hogar de la niña), Arthur y su abuelo deberán pasar por un montón de situaciones descabelladas, que incluirán el tener que enfrentarse a una hambrienta jauría de leones (y cuya resolución será algo completamente disparatado), evadir a la policía, o el ir perdiendo, uno a uno, a cada uno de los renos que tiran del trineo, a lo largo de distintos escenarios, lo que los obligará a tomar medidas, primero absurdas, más luego, podría decirse que “extremas”.

Cuando la cinta esté acercándose a su desarrollo final será cuando, tanto Steve como su padre, puedan llegar a entender a qué se refería Arthur cuando insistía en la importancia de que todo niño recibiera su regalo y sin importar la dificultad que eso implicara. 

La inteligencia con que los directores han puesto en imágenes el planteo, es tan sobresaliente que uno podría incluso llegar a preguntarse “¿Porqué tuve que crecer y dejar de creer en Santa Claus?”. Fuera de los tantos finales, que como ya, antes dije, parecieran cosa del “recorte y pegue”, en este caso nos encontramos ante un guión que recurre a material e ideas frescas, para centrarnos en el significado de los obsequios y descubrir la magia que acompaña a ese momento en el que el niño abre el regalo y sonríe.

Mi puntaje: 8/10

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"Cine animado hecho en casa"

Título: Selkirk, el verdadero Robinson Crusoe

Año: 2011

Género: Animación, Aventura

Director: Walter Tournier

Guión: Walter Tournier

Duración: 80min

Produc.: Maíz Producciones, Patagonik, Cineanimadores, La Suma CineTV, Tournier Animation

Presup.: $1,2 millones aprox.

Selkirk, el verdadero Robinson Crusoe nos narra la historia de Alexander Selkirk, quien se une a la tripulación del capitán Bullock, para embarcarse rumbo a los mares del sur en busca de tesoros. No encontrando amenazas enemigas en el camino, los corsarios se entretienen apostando su dinero y el propio Selkirk termina siendo el afortunado ganador en cada apuesta. Es así que, no bien avistan tierra y bajan a aprovisionarse, Selkirk es abandonado en la soledad de la isla, como venganza, mientras el resto retoma con la travesía.

Tras muchas décadas llenando las salas de nuestro país, ya fuera ante películas, como por ejemplo Peter Pan (1953), el El Rey León (1994), Ratatouille (2007) o El Gato con Botas (2011), llega a los cines uruguayos lo que viene a ser nuestro debut en la categoría de largometraje animado, y no podríamos haber empezado de peor manera.

Walter Tournier, ya conocido por su trabajo en Los Tatitos, ha sido el encargado de escribir y dirigir este proyecto, que según pude informarme, supondría una inversión de algo más de 1 millón de dólares. Como curiosidad, vale destacar que Selkirk no sería desarrollada con las técnicas más tradicionales, el dibujo a mano, o la más reciente, animación digital. En el caso de esta película se recurriría a la llamada animación stop motion o cuadro a cuadro, en donde muñecos de entre 20 y 30 centímetros de estatura, de estructura interna metálica y recubierta en silicona, serían manipulados por distintos animadores, un total de 10 y divididos en 2 turnos, para conseguir (en base a la regla de los 24 cuadros por segundo) un promedio de entre 15 y 20 segundos diarios de película.

Con Selkirk Tournier nos trae a la gran pantalla un relato inspirado en Alexander Selkirk, personaje real, cuyas circunstancias inspiraran, luego, al inglés Daniel Defoe, para escribir su aclamada novela Robinson Crusoe.

Para analizar este filme es importante que se le divida en dos partes: por un lado, lo que concierne a la animación y, por el otro, a su guión. Con respecto a la primera, sólo puedo decir que el desempeño de todo el equipo dio sus buenos frutos, ya que esta producción no tiene nada que envidiarle a las animaciones norteamericanas del mismo estilo, como ser El Extraño Mundo de Jack (1993), Jim y el Durazno Gigante (1996) o La Novia Cadáver (2005). En cuanto al segundo punto, es como consecuencia de un muy mal guionado, que debemos de estar de acuerdo, en cuanto a que el cine animado uruguayo “ha empezado con el pie izquierdo”.

Resulta que el guión de Tournier es tan, pero tan malo, que seguramente haga que muchos se quieran ir de la sala a los 20 minutos. Como todos sabemos, el cine animado actual se caracteriza, principalmente, por su sentido del humor, que atrae a tanto niños como adultos, y la triste verdad es que son, contados con los dedos, los chistes que vamos a poder ver aquí. Por si fuera poco, los diálogos son tan planos y carentes de chispa, que aburren en todo momento, además de ser, cien por ciento explicativos.

Otro defecto bastante apreciable está en el manejo de los escenarios, ya que es mucho mayor el tiempo que se le dedica a las andanzas de Selkirk en el galeón, que lo que se le concede, después, a la isla. Esta es, precisamente, en donde debería haber estado el fuerte del relato, ya que es la problemática de este hombre como náufrago la que nos interesaba a todos, y no, su vida social con los otros piratas.

La pobreza narrativa es, también reconocible a nivel de la banda sonora, dentro de lo poco que hay para que llamemos efectivamente “banda sonora”, ya que hay apenas un par de cancionistas con algunas rimas, pero que carecen de todo posible atractivo.

Asimismo, hubo un elemento que, hacia el final de la película, me llamó mucho la atención. Lo comento porque no se trata de un detalle que vaya a revelar nada demasiado importante sobre la trama. Esto sucede cuando, bien a lo último Selkirk es rescatado, sube a un bote y dice algo así como: “Desde ahora ya no seré más Selkirk y me llamaré Robinson Crusoe”. Es increíble y lamentable que el director se haya valido de una frase tan sin gracia y tirada de los pelos, para explicarnos cómo su personaje se cambiaba de nombre, además de completamente innecesario, ya que el relato que se nos ha invitado a ver, es el de Selkirk, no el de Robinson Crusoe. En definitiva, Selkirk no es más que un cuentito tonto, sin emociones ni sorpresas.

Mi puntaje: 2/10

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"La venganza puede cambiar a las personas"

Título: La Piel que Habito

Año: 2011

Género: Drama, Thriller

Director: Pedro Almodóvar

Guión: Pedro Almodóvar, Agustín Almodóvar (colaborador), Thierry Jonquet (novela "Tarantula")

Duración: 117min

Reparto: Antonio Banderas, Elena Anaya, Jan Cornet, Marisa Paredes

Produc.: Canal+ España, El Deseo S.A., Instituto de Crédito Oficial (ICO), Televisión Española (TVE)

Presup.: $13 millones aprox.

En La Piel que Habito Antonio Banderas interpreta a Robert Ledgard, un excelente cirujano quien, tras la violación de su hija Norma (Blanca Suárez), decide secuestrar a Vicente (Jan Cornet), muchacho responsable del acto, para vengarse.

Previo a esta película, la verdad es que me había costado mucho, entrar en el tan particular universo de Pedro Almodóvar. Dados algunos comentarios, llegados a mi por parte de personas, a quienes el cine de este artista no les estaba gustando, hubo un momento en el acabé por tomarle rechazo, por crearme un prejuicio infundamentado, hacia un director cuyo trabajo ni siquiera me había tomado el trabajo de mirar para juzgar.

Al final, terminé viéndome tres de sus últimas propuestas, en un período de tiempo muy corto. Me vi Todo Sobre mi Made (1999), La Mala Educación (2004) y Hable con Ella (2002). En la primera se me mostraba a un padre travesti y a una monja con sida, en la segunda se me contaba la historia de amor homosexual entre un cura y un niño, y en la tercera se me hablaba de un enfermero, quien tras violar a una mujer comatosa, la dejaba embarazada. De manera que este director español poseía una cierta afinidad por el cine con contenido erótico y algo retorcido, y una cierta atracción hacia los argumentos bastante macabros, lo cual podría hacer que uno le sintiera rechazo. Por mi parte, estas tres películas sí me resultaron algo descabelladas, aunque, no por eso, menos interesantes, puesto que Almodóvar me había mostrado tener la capacidad y el talento suficientes, como para hacer de sus historias, atractivas.

Posteriormente, cuando supe de su última y más reciente incursión en el séptimo arte, enseguida me propuse chequear, por pura curiosidad, qué puntaje promedio le habría concedido la gente en el sitio IMDB. Lo cierto es que, hoy 7 de febrero del 2012 La Piel que Habito cuenta con un 7.7/10. Nada mal, la verdad.

Finalmente, me puse a mirar esta película, careciendo de noción alguna sobre su temática. La cinta, entonces, empezó bastante rara, con un Robert Ledgard observando a una bella chica, su nombre Vera Cruz, (Elena Anaya) a través de la pantalla gigante de un televisor, mientras que esta ocupaba una amplia habitación, de la que en ningún momento se la veía salir. Al mismo tiempo, Robert y Marilia (Marisa Paredes), su empleada, eran presentados como los guardianes a cargo de que la chica, dentro de su aislamiento, estuviera cómoda, de que nada le faltara, pero, también, que no tuviera posibilidades de escapar. Y aquí, todo seguía en misterio. Es que Almodóvar no se apuraría nunca, a la hora de irme revelanado, poco a poco, los detalles de la historia, cada uno en su momento y en el orden qué él sabía, sería el más preciso.

La trama de la película comenzaría luego a desenvolverse, a partir de un plano con enfoque cómico, en el que un hombre joven y pelado, y vestido en un disfraz de tigre, cruzaba la calle para buscar a Marilia, con quien llevaba tiempo sin verse. Una vez dentro de la casa, Zeca (Roberto Álamo) vería a Vera, gracias a un televisor en la cocina, para luego inmovilizar a su madre, atada y amordazada en una silla, y dirigirse, ,rápidamente, a buscar a la cautiva. Es así que, de la mano de Robert, es que Almodóvar mostraría gran parte del contenido erótico de la película, el cual no podría hacerse esperar demasiado.

No obstante, no sería sino hasta que Robert accediera a dejar a Vera salir del confinamiento, que Marilia se daría el tiempo de ponerla al tanto de los hechos que concernían al dramático pasado vivido por Robert, primero con la muerte de su esposa, más luego con la tragedia de su hija Norma (Blanca Suárez). A partir de aquí, la película se iba a transformar en una constante de flashbacks y vueltas al presente, conociendo, nosotros en detalle, las circunstancias que habían llevado hacia la violación de la chica, su posterior internación en una clínica y la furia de un padre vengativo, convertido, de pronto, en un secuestrador enmascarado, capaz de cualquier cosa. Almodóvar consigue poner en imágenes, de manera impecable, lo que ha de ser el dolor de un padre a quien se ha violentado, lastimándolo en donde más le podría doler, un sufrimiento incluso mayor que si le hubieran quebrado algunos huesos, para que Ledgard sacase a relucir lo peor de él como hombre.

Sin entrar demasiado en cuestiones que sería mejor que uno conociese, no, a través de una crítica, sino por intermedio mismo de la película, puedo decir que Robert nos dejará bien en claro hasta que punto ha podido desarrollarse como cirujano y cuan extraordinario es su conocimiento del cuerpo humano.

En La Piel que Habito, conoceremos el vínculo muy perturbador que una a Robert con Vicente, y luego, al mismo Robert, pero con Vera, a quien retenga en una suerte de Gran Hermano.

Mi puntaje: 9/10

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"Conociendo a los amos de la noche"

Título: Vampires (Vampiros)
Año: 2010
Género: Comedia
Director: Vincent Lannoo
Guión: Vincent Lannoo, Frédérique Broos
Duración: 88min
Reparto: Carlo Ferrante, Vera Van Dooren, Pierre Lognay, Fleur Lise Heuet, Julien Doré, Batiste Sornin
Produc.: Left Film Ventures

A modo de falso documental, Vampiros nos lleva hasta Bélgica, en donde un equipo de filmación, acompaña a una familia de vampiros en su vida cotidiana. Aquí tenemos a Georges (Carlo Ferrante), el padre; Bertha (Vera Van Dooren) la madre; Samson (Pierre Lognay), el hijo; y Grace (Fleur Lise Heuet), la hija. 

De la mano del director Vincent Lannoo nos llega este producto, que toma para la comedia y el humor negro, el diario vivir de los chupa sangre. Al igual que en tantos otros casos, aquí se parte de la idea de que, supuestamente, estaremos viendo un verdadero documental, lo cuál, obviamente, no es cierto. También es dejado bien en claro que es realmente un privilegio que tengamos acceso a este material, ya que tres fueron las veces en que el equipo de filmación tratara de adentrarse en territorio vampiro, fracasando las primeras dos: fueron atacados. 

Dentro de la ficción de este documental, se entiende que el equipo de filmación llega, finalmente, a un acuerdo, para que, una vez adentrados con el enemigo, el depredador procure, al menos por esta vez, no atacarlos. 

La idea del falso documental, hoy ya muy vista, es combinada con el género vampiro, que, por su parte, por lo menos yo, no tengo recuerdos de que hubiera sido abordado así, anteriormente. De modo que estamos ante algo distinto y frente a una comunidad de muertos vivos de costumbres muy interesantes, quienes al igual que el mismísimo Drácula duermen en ataúdes, le temen a la luz del sol y a los crucifijos y no pueden llorar, amar o reproducirse. También tienen sus conflictos entre vecinos, al igual que sus leyes de convivencia. 

Con todo, diría que el aspecto más llamativo está en la naturalidad con que estos se comportan, ya que se enfrentan a sus problemas e inquietudes (para nosotros, muy raras; mas, para ellos, normales), de una manera que hace que no parezca que el documental fuera falso, porque toda situación que vemos sucede con total autenticidad. Hay un ejemplo muy bueno, cuando Samson, estando en clase (y considerando su apariencia a simple vista, el muchacho ha de estar cursando secundaria) tiene que aprender a morderle la yugular a los humanos, practicando con un muñeco sobre una mesa. Por mucho que lo intenta, Samson no consigue satisfacer a su profesora, quien furiosa le reprocha su incapacidad para seguir con las indicaciones. La incompetencia de Samson, más el enfado de su docente, podrían recordarnos, perfectamente, a nuestros días en la escuela primaria, con esas maestras que eran insoportables y que nos hacían pasar un mal rato. 

Pese a tanta originalidad, Vampiros cae en un problema de estructura. Desde el momento en que el equipo de documentalistas llega a ese entorno desconocido, la película se traduce en que asistamos a sus distintos espacios sociales, pero sin molestarse en establecer, para nosotros, un argumento preciso. De modo que, por un lado hacemos un seguimiento de sus vidas, en tanto que, por otro lado, nunca nos es posible saber hacia dónde se pretende conducirnos, ya que se carece de una base firme, de un conflicto específico, a partir del cual desarrollar todo lo que sigue. Justamente, llegado un momento, uno probablemente ya se haya cansado de conocer a esta gente y quiera que ocurra alguna problemática nueva que deba resolverse. Lo que ocurre, es que nosotros tendemos a buscarle a las película un comienzo, un desarrollo y un final, que aquí no están muy bien precisados. Como falso documental, este producto tienes buenas intenciones, pero termina quedándose en eso, y siendo además, demasiado lento. 

Mi puntaje: 3/10

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